On appelle « vanité », un genre pictural visant à évoquer la nature éphémère de la vie et l'inéluctabilité de la mort. Bien qu'elle appartienne au genre des natures mortes, la vanité émerge véritablement au XVIIe siècle, vers 1620 à Leyde, en Hollande, tirant son inspiration des thèmes religieux, philosophiques et moraux.

Pour communiquer son message sur la fragilité de la vie, la vanité utilise des symboles caractéristiques présents dans tous les tableaux. 

Les objets mis en scène symbolisent :

1. La mort, illustrée par un crâne humain ou parfois un squelette ;

2. Le passage du temps, représenté par des montres, des horloges, des cadrans solaires, des sabliers, des bougies, des lampes à l'huile et des rideaux tirés ;

3. La précarité de l'instant présent, symbolisée par des bulles, des fleurs fanées ou une flamme éteinte ;

4. La vanité du savoir, évoquée à travers des livres et des instruments scientifiques ;

5. La vanité des biens matériels, représentée par des monnaies et des bijoux ;

6. La vanité du pouvoir, symbolisée par des couronnes, des sceptres et des armes ;

7. La vanité de la richesse et des plaisirs humains, illustrée par divers objets.

La vanité nous met face à nos comportements et notre attachement à des choses corporelles, nous menant à une réflexion sur la possession face à la mort. Un sujet d’actualité dans un monde de consommation en somme !  

L’analyse est ici subjective. Si certains acheteurs préfèrent la vanité en tant que thème premier des tableaux, d’autres sont plus attirés par la réflexion induite par la face cachée de la peinture. Quelques exemples de tableaux traduisent la vanité comme thème secondaire, comme :

- « Saint Jérôme écrivant », une œuvre de Michelangelo Merisi da Caravaggio, réalisée vers 1605-1606, aujourd'hui conservée à la galerie Borghèse de Rome. Cette peinture représente Saint Jérôme, célèbre pour sa traduction de la Bible en latin, occupé à cette tâche précise.

La tradition iconographique est scrupuleusement respectée dans cette œuvre. Comme c'est courant, le saint est représenté avec les traits d'un vieillard et une auréole entourant sa tête. La désorganisation de sa table de travail est typique d'un érudit engagé dans son ouvrage.

Plongé dans la lecture d'un grand volume, drapé dans un manteau rouge, il étend son bras dans un mouvement horizontal pour maintenir sa plume. Son bras ouvert se prolonge jusqu'à un memento mori, symbolisé par un crâne posé sur un autre livre.

- « Jeune homme tenant un crâne » est une autre œuvre picturale créée vers 1626 par le peintre hollandais Frans Hals, aujourd’hui exposée à la National Gallery de Londres. Cette toile est précédemment interprétée comme une représentation du personnage de Hamlet de la pièce de Shakespeare, tenant le crâne de Yorick, mais, elle est désormais considérée comme une vanité, un rappel de la fragilité de la vie humaine et de l'inéluctabilité de la mort.

Un tableau de Jans Jansz van de Velde III (1620-1662) intitulé « Nature morte au pichet de grès », a été vendu 850 000 euros. Cet artiste est particulièrement connu pour ses natures mortes. Ici le tableau représente des accessoires à fumer, posés sur une surface plane, entourés d'autres objets, comme ce pichet en grès originaire de la ville allemande de Westerwald. L'artiste associe l'humeur sèche - représentée par le tabac - à un tempérament colérique, tandis que l'humeur chaude est évoquée par le pichet.

« Vase de fleurs sur un entablement, nid et insectes » est un tableau de Rachel Ruysch (1664 - 1750), adjugé 497 000 euros lors d'une vente aux enchères à Amsterdam en avril 2013. S'éloignant un peu du principe de base des natures mortes du XVIIe siècle, Rachel Ruysch, qui peint l’œuvre à 76 ans, délaisse la dimension allégorique de la vanité, en privilégiant le côté décoratif de son tableau. Mais en y regardant de plus près, après avoir été captivé par la beauté du bouquet de fleurs, le spectateur se trouve transporté vers l'aile délicate d'une libellule, glisse son regard le long du velouté d'un pétale de tulipe, pour ensuite descendre le long d'une tige verte. Une profusion de couleurs attire immédiatement l’œil avant de terminer ce voyage visuel en frôlant les élytres d'un scarabée et en découvrant quatre œufs déposés dans un nid d'oiseau.

En 2018, lors d'une vente aux enchères à Amsterdam, une toile de Jan Davidsz de Heem (1606-1684) intitulée « Vanité au bouquet de fleurs » est adjugée plus de 370 000 euros. Dans cette œuvre, l’artiste met en avant la fragilité de la vie humaine à travers la représentation du bouquet de fleurs. L'image de la mort est symbolisée par un crâne, orné de lierre, symbole de la persistance de l'âme après la mort, ainsi que par la présence d'un crucifix. Mais cette scène n'est pas dénuée d'espoir, car elle est dominée par la rose, symbole de résurrection.

Si toutes les ventes ne sont pas des records, nombres de vanités obtiennent de très beaux résultats de vente. Le prochain trésor est peut-être chez vous.

1. "Nature morte aux pastèques", de l'Ecole NAPOLITAINE du XVIIe siècle, une toile estimée entre 3 000 et 4 00 euros et adjugée 3 000 euros ;

2. "Nature morte au violon, pièces d’orfèvrerie et sculpture", par Pieter Gerritsz van ROESTRAETEN(1630 - 1700), une toile de 54 x 48 cm, vendue 16 000 euros ;

3. Vanité de Jean Baptist JASPERS ou JASPARS (1620- 1691), une toile signée en bas à droite, vendue 5 200 euros.